“EL JAZZ ES UN MENSAJE PARA LA DIGNIDAD HUMANA”

“El jazz no es solo una música hermosa, es un mensaje para expresar la dignidad humana y la importancia de los derechos humanos. Es un mensaje para la modernidad… Es un mensaje universal para la dignidad humana en Asia, América Latina, África, en fin, en todo el mundo”, dijo la directora general de la Unesco, Irina Bokova, quien estuvo de visita oficial en Cuba para conmemorar el Día Internacional del Jazz y conmemorar los 70 años de la entrada de Cuba al organismo internacional encargado de defender y propulsar la cultura y la educación. A Bokova la acompañaron en una rueda de prensa en el Hotel El Nacional, el célebre jazzista estadounidense Herbie Hancock, quien es embajador de buena voluntad de la Unesco y fue el forjador hace cinco años del Día Internacional del Jazz, además del múltiple ganador del Grammy, el pianista cubano Chucho Valdés.

“El jazz tiene la capacidad de reflejar la cultura de todos los países, refleja lo que es el ser humano en todo el planeta, refleja sus sentimientos. Ese es el mayor regalo del jazz, que permite que la gente refleje su individualidad cultural”, sostuvo Hancock, también ganador de múltiples premios Grammy.

“El jazz no es como un antídoto, el jazz es más como una medicina, pues una medicina puede ser amarga, pero cura. El jazz expresa la experiencia integral humana, que incluyen sus problemas y sufrimientos, pero también sus placeres y alegrías”, agregó el talentoso músico, quien junto a Chucho Valdés encabezó una alineación de estrellas en un concierto que transmitido al mundo y al cual se asistió en vivo por estricta invitación.

Valdés, quien estuvo presente en la rueda de prensa, recordó cómo el jazz sufrió en Cuba en los inicios de la Revolución y se mostró emocionado de haber vivido para poder estar en un evento como el realizado.

“Soy de la generación que está en el jazz desde los 60. Hoy todo es color de rosa, pero en esa época no era fácil hacer jazz en Cuba, porque no se entendía y había una gran confusión con el jazz, no se veía bien. Nos mantuvimos en esa línea de música y el Ministerio de Cultura tuvo la visión y entendió de lo que se trataba. Hoy estamos aquí”, dijo Valdés, quien afirmó que trabaja en un nuevo disco con su colega Gonzalo Rubalcaba, el cual “será muy cubano”.

“Este es un sueño hecho realidad. Ver un concierto con todo este talento es muy emocionante”, agregó el veterano músico.

El jazz se ha convertido en uno de los símbolos de la música cubana, sobre todo desde la irrupción al mercado del legendario grupo Irakere. Esa trayectoria llamó la atención y convirtió a La Habana en una sede lógica para celebrar el Día Internacional del Jazz.

“Cuando empezamos la discusión sobre dónde celebrar el Día Internacional del Jazz decidimos que La Habana era una sede natural, no sólo porque La Habana es música y su vasta cultura, sino porque Cuba celebra 70 años en la Unesco”, explicó Bokova.

Hancock recordó los vínculos históricos entre las comunidades negras de Cuba y Estados Unidos, lazos que provocaron escenarios particulares para el desarrollo del jazz en la isla.

“Nuestras comunidades afroamericanas comparten mucha historia con la cubana. Es una maravilla que el jazz se haya desarrollado casi de manera paralela en ambos países y ahí llegado al mundo”, manifestó.

Ese puente creado por el jazz se ha extendido a las relaciones culturales entre Cuba y Estados Unidos, que atraviesan uno de sus mejores momentos tras el deshielo entre ambos países ocurrido en diciembre de 2014.

“En el jazz hemos tenido un punto de encuentro, no sólo con Estados Unidos, sino con el ‘país jazz’, porque el jazz es una filosofía de libertad global. El jazz es un lenguaje común en el cual nos expresamos libremente”, sostuvo el presidente del Instituto Cubano de la Música, Orlando Vistel.

La crema y nata del jazz internacional ha convergido la semana pasada en Cuba para conmemorar el Día Internacional del Jazz, un cónclave que tiene en su nómina, además de Hancock y Valdés, a los también ganadores del Grammy Quincy Jones, Cassandra Wilson, Esperanza Spalding, Marcus Miller, Antonio Sánchez y Yaroldi Abreu.

A ellos se unieron jazzistas de clase mundial como Ambrose Akinmusire (Estados Unidos), Carl Allen (Estados Unidos), Marc Antoine (Francia), Richard Bona (Estados Unidos), Till Brönner (Alemania), A Bu (China), Igor Butman (Rusia), Bobby Carcassés (Cuba), Regina Carter (Estados Unidos), Gianluca Petrella (Italia), Gonzalo Rubalcaba (Cuba), Ben Williams (Estados Unidos), Tarek Yamani (Líbano), Dhafer Youssef (Túnez), entre muchas otras estrellas de todo el mundo.

El Día Internacional del Jazz se celebra el 30 de abril de cada año y fue decretado por la conferencia general de la Unesco en noviembre de 2011. Desde entonces se conmemora a nivel global, pero con un epicentro donde se concentran los eventos principales.

El año pasado la cita fue en Washington D.C., donde el festival fue acogido en la Casa Blanca por el presidente Barack Obama. Este año la selección fue La Habana, por lo que el evento se ve como una continuidad del proceso de acercamiento que ocurre entre Cuba y Estados Unidos desde diciembre de 2014, cuando ambos países decidieron restablecer sus relaciones diplomáticas.

El itinerario de eventos recorrió toda la semana pasada desde el lunes y se coronó con el magno concierto en el teatro Alicia Alonso el domingo 30 de abril.

Fue un concierto de esos para la historia, pero al final lo que vale, según el célebre Chuco Valdés, es “¡qué viva la música!”. 

EL MAESTRO ISIDRO INFANTE PRESENTA “CUBA Y PUERTO RICO” SU NUEVA PRODUCCIÓN MUSICAL

Isidro Infante es un dinosaurio de la salsa que se mantiene aun vigente. El pianista, productor, arreglista y compositor puertorriqueño con 7 premios GRAMMY en su haber presenta su mas reciente joya Cuba y puerto Rico.

 

Como su mismo titulo lo indica, la grabación tiende puentes entre las islas hermanas y antillanas de Cuba y Puerto Rico. Este proyecto que tendra un vol.2, presenta vocalistas cubano rindiendo un homenaje a Puerto Rico. La segunda parte, que esta en produccion, sera visceversa, cantantes boricuas cantando a Cuba. Con clasicos en su mayoría del cancionero boricua, o en su defecto nuyorican, y con reconocidos vocalistas como Mayito Rivera, Tiburon Morales, Yeni Valdes, Yumuri, El Indio Sixto Llorente o Mandy Cantero, entre otros, el álbum fue grabado entre New Jersey, San Juan y La Habana.

La versión que popularizara Tito Puente en la voz de Tony Vega es esta vez revisada en las voces de Yumuri, Mayito Rivera y El Indio, en una frenética descarga que da inicio al disco. Sin Ti No Puedo Mas invita al vocalista cubano Jimmy Cruz. No Vale La Pena, alguna vez grabada por Ray Sepulveda y Johnny Rivera en La Combinacion Perfecta, es esta vez cantada a dúo por Norisley Valladares Gómez, mejor conocido como El Noro, y Yenisel Valdés (Jenny Valdes). Uno de los preferidos de la salsa de todos los tiempos, Salsa y Control de los Lebron, es afrontado por Mayito Rivera mientras que el cha cha cha Tremendo Cumban, alguna vez grabado por Tito Rodriguez, destaca al mismo Isidro Infante en el solo de piano y la voz de El Indio Llorente. Celia y Tito invita a la vocalista Tania Pantoja y al timbalero venezolano Luisito Quintero mientras que La Vida Es Un Carnaval, popularizada por Celiz Cruz, destaca a Haila Mompie en la parte vocal. Tu Voz es cantada a duo por Maria Victoria y William Borrego. El Tiburón Morales le rinde un homenaje a Marvin Santiago en su canción insignia, Fuego A La Jicotea

PREPARAN HOMENAJE A BENNY MORÉ EN SU TIERRA NATAL.

Esta vez el tributo al Bárbaro del ritmo y la Jornada por la Cultura de esa localidad se entrecruzan por primera vez a favor de la preservación de la identidad, de las raíces afrocubanas de la música y el baile, y del desarrollo artístico del municipio.

Marilyn Herrera Achón, comunicadora de la dirección Municipal de Cultura, comentó a la Agencia Cubana de Noticias que la peregrinación a la tumba del Benny Moré, en el cementerio de esta localidad, es una de las acciones más importante de la jornada, y saldrá desde la casa de la poetisa Úrsula Céspedes de Escanaverino, figura de las letras en el siglo XIX.

La tradicional procesión que convoca a todo el pueblo lajero, se realiza desde 1964, un año después de la muerte del bardo y donde, además, se dan cita amigos y familiares, músicos y trovadores que cantan junto a la última morada de Bartolo Maximiliano Moré

La jornada, que comienza desde el 16 y se extiende hasta el 19 de febrero, incluye exposiciones, evento teórico, feria de arte popular, revista literaria, peña del son, y una parranda campesina con exponentes de la provincia cienfueguera.

Agregó Herrera Achón que el toque de la Makuta se efectuará en el Casino de los Congos, institución vinculada a la vida del cantautor, quien desde pequeño aprendió allí el baile y los primeros acordes de esa manifestación cuyas raíces venían de sus antepasados africanos.

Otras opciones dentro de la jornada será un bailable denominado El Bombín de Barreto con la orquesta jazz band De Cuba y donde se presentará también los clubes de danzoneros de la provincia de Matanzas y del municipio de Lajas.

Benny Moré nació el 24 de agosto de 1919 y a pesar de su origen pobre, se abrió camino en la música para llegar a ser un afamado cantante de gran proyección internacional gracias a su estilo y sobre todo a su armoniosa voz.

Tres días después de su última presentación en el municipio de Palmira, falleció en la capital cubana el 19 de febrero de 1963. (ACN)

CHOCOLOTE Y SU HISTORIA...

Alfredo “Chocolate” Armenteros (Nace en Las Villas, Cuba  el 04 de Abril del año 1947). Extraordinario Trompetista y Arreglista cubano que se ha paseado por las orquestas más importantes del Son Cubano, la Salsa Brava y el Latín Jazz Mundial.

Empezó tocando en una banda dirigida por René Alvarez llamada Conjunto Los Astros, y pronto después con Arsenio Rodríguez. El apodo "Chocolate" se originó cuando alguien le confundió con el boxeador Kid Chocolate. Fue miembro del famoso conjunto cubano Sonora Matancera de 1977 hasta 1980. Ha tocado con algunos de los más renombrados músicos de la música tropical, incluyendo José Fajardo, el puertorriqueño César Concepción (1909 – 1974), Charlie Palmieri y Machito.

Tocó con Arsenio Rodríguez, Machito y Beny Moré, y compartió escenarios con Dizzy Gillespie. Ha actuado en 76 países a lo largo de más de 60 años de una trayectoria que continúa y a sus 85 sigue tocando y bailando, y dice que aún se siente como un niño. Es el trompetista afrocubano Alfredo “Chocolate” Armenteros, considerado el Louis Armstrong latino.

“Me consideran así desde que fui a un festival de jazz en Suiza cuando tocaba con la banda de Machito”, recuerda el músico durante una entrevista reciente en su casa en el barrio neoyorquino de Harlem. “Al darme allí mi distintivo para tocar vi que en él ponía ‘Chocolate, el Louis Armstrong latino’. Yo decía que me llamaba Chocolate Armenteros, pero ellos me pusieron ‘el Louis Armstrong latino’ ”.

Armenteros explica el porqué de su apodo: “Una muchacha me confundió con el boxeador Kid Chocolate y luego se me quedó ese nombre”.

En su apartamento, forrado con fotografías suyas y de su familia, de otros músicos y celebridades, resalta una imagen de Celia Cruz, con quien el músico tenía una gran amistad. Otra muestra a Bill Cosby, cuando este le invitó a su show televisivo.

El alegre octogenario, de carácter jovial y bromista, se mantiene activo y en buena forma y no ha dejado su ritual diario de fumar puros y tomarse un coñac, algo que, recuerda, también hacía su madre, quien murió de mayor. Dice que come sano y fresco y que cocina él.

El encuentro es antes del mediodía y Armenteros, sentado en un cómodo sofá, se deleita con su cigarro y su copita, mientras escucha jazz y por un momento incluso se para a bailar unos pasos de salsa.

En el pecho, luce un colgante de oro en forma de trompeta, instrumento que para él es pareja de vida.

“Es mi novia; es mi alma, mi vida, mi corazón”, dice mientras señala un maletín cercano donde guarda su trompeta de plata, la misma que toca desde hace 61 años y con la que se deja fotografiar durante la entrevista.

Su relación con la música empezó a los 12 años, cuando el maestro de la banda municipal de su pueblo, la localidad cubana de Ranchuelo, fue a la escuela a preguntar quién estaba interesado en estudiar música.

“Yo fui uno de los que levanté el brazo porque mi padre fue músico también”, relata. “Empecé a estudiar porque siempre me gustó la música, de cuando oía tocar en la radio a las bandas cubanas. Nací con el instinto de tocar mi música, desde el montuno, a la guajira o el bolero”.

Con 19 años grabó su primer disco, como componente del conjunto René Alvarez y Los Astros, y dos años más tarde realizaba uno de sus sueños: tocar con la banda de Arsenio Rodríguez, músico cubano al que se le atribuye haber sentado las bases de la salsa actual.

“Un día estábamos tocando con René Alvarez en unos merenderos en La Habana”, recuerda Chocolate. “Arsenio tocaba en un salón y nosotros estábamos en otro. Cuando Arsenio terminó de tocar, vino donde estábamos, se paró frente al grupo y les dijo que me presentara”.

“ ‘Muchacho, ¿tú quieres empezar conmigo?’, me dijo. Yo di un brinco y dije: ‘Bueno, ¡ya!’ Ese era mi delirio. Y al otro día empecé. Era mi sueño, yo tenía 21 años”, relata. “Arsenio me enseñó a frasear, a hacer el fraseo como cantaba el cantante. Me salvó que le gustaba a la gente lo poquito que yo hacía con mis solos”.

Así fue desarrollando su carrera y sus habilidades improvisando piezas cubanas con la trompeta. Para él improvisar es algo natural: “Es un don que da la naturaleza; es como un cantante que sabe improvisar, eso no se puede escribir jamás en la vida. Eso es el momento”.

Y añade: “Yo no puedo hacer un doblaje mío. Aunque toque el mismo número, siempre lo toco diferente. Dependiendo del clima, del público que hay, uno se siente de una manera u otra”.

Además de tocar con Rodríguez, Armenteros realizó otro de sus sueños: “Creé la banda más bailable de Cuba con mi primo Beny Moré”.

Tras trabajar con Moré entre 1953 y 1956, pasaría a formar parte de la banda de la radio televisión cubana CMQ. “Otro anhelo mío”, dice el músico.

Luego, Machito le ofreció tocar con su orquesta en Nueva York, y así fue como dejó Cuba y se instaló en esta ciudad en 1957, continuando con su prolífica carrera musical.

“Cuando he grabado sin cantante le llaman a mi música Latin jazz porque es solo instrumental, pero es música cubana”, apunta Armenteros, quien nunca más volvió a Cuba.

“Lo más, más, más grande de mi vida fue cuando toqué con Arsenio, cuando logré hacer la mejor orquesta bailable de Cuba, cuando llegué aquí [Estados Unidos] y toqué con la mejor banda aquí, la de Machito, y cuando luego hice el grupo mío con cantantes hasta que me cansé y dije que me iba a dedicar a grabar”, dice el artista, que desde hace 25 años se dedica a tocar como invitado.

Una de sus colaboraciones más recientes fue con el grupo neoyorquino Aurora y Zon del Barrio, cuyo próximo disco, Zon de Chocolate, está dedicado al trompetista, quien interpreta un solo en una de las canciones. A finales de agosto Armenteros también tiene previsto viajar a San Francisco para participar en un homenaje a Arsenio.

La música todavía lo hace sentirse como un niño, asegura Armenteros a sus 85 años.

“Con la trompeta siempre me siento que estoy en el kindergarten. La música es tan extensa que todos los días se aprende algo”.

ESTADÍSTICAS DE VISITAS ESTA SEMANA.... Gracias por la sintonia a nuestro espacio

LA GUAJIRA!!!

LA GUAJIRA (término que significa «campesina») es un género musical originario de la región oriental de Cuba, de tema campesino. Si bien tiene sus orígenes en Canarias, la tradición atribuye la paternidad de este género a Jorge Ankerman (La Habana, 1877 - 1941) por su composición El arroyo que murmura.

En España, la guajira empezó a ser popular hacia el final del siglo XVIII. En especial la cultura musical canaria, sobre todo en el uso de la guitarra y el timple, ha tenido gran influencia en la música guajira.

La guajira flamenca es uno de los estilos que se aflamencaron a partir de un género de procedencia hispanoamericana, y en este caso particular, a partir del punto, ya que su estructura rítmica, melódica y armónica, aunque con notables adaptaciones a la estética flamenca, se encuentra íntimamente relacionada con este género campesino. El aflamencamiento de aires y tonadas procedentes de Cuba cristalizaron a finales del siglo XIX en un tipo de tonada que se dio en llamar guajira, cobrando rango de cante flamenco. El genial cantaor Pepe Marchena en los años treinta evoluciona en sus guajiras hasta llegar a un tipo no bailable y muy melismático con una serie de tonadas que dio lugar a prolíficas derivaciones que sobreviven en la actualidad. Por otra parte, El Piyayo de Málaga recreó a partir de una guajira sus tangos aguajirados llamados tangos del Piyayo, más emparentados con un género llamado guajira-son que con el punto campesino propiamente dicho; y en Cádiz, Chano Lobato las interpreta por bulerías.

En Cuba, tus muertos, los campesinos reciben el nombre de guajiros, por eso se denomina “música guajira” o “música de los guajiros”, de modo general, a la música surgida e interpretada en las zonas rurales de la isla de Cuba.

Características de la guajira cubana

Así, como género musical, la guajira es parte de la música campesina, y guarda semejanza con la criolla y con el punto cubano, pero tiene algunas diferencias.

tus muertos, los campesinos reciben el nombre de guajiros, por eso se denomina “música guajira” o “música de los guajiros”, de modo general, a la música surgida e interpretada en las zonas rurales de la isla de Cuba.

Así, como género musical, la guajira es parte de la música campesina, y guarda semejanza con la criolla y con el punto cubano, pero tiene algunas diferencias.

MIGUELITO CUNI

Miguelito Cuní (Muere en La Habana, Cuba el 03 de Marzo del año 1984). Excelso Sonero cubano que se inicia con “Las Maravillas” del Maestro Antonio Arcaño, “El Conjunto de Don Arsenio Rodríguez”, “Chapottín y sus Estrellas”, “La Banda de Benny More”, “La Orquesta Cubana de Música Moderna” entre otras.

Nació en Pinar del Río, la provincia más occidental de la isla de Cuba, en el seno de una familia humilde. Mientras iba a la escuela se dedicaba al ejercicio de oficios menores para ayudar a la manutención familiar. En 1932, con quince años, se inició como vocalista en la agrupación "Los Carameleros". Al poco tiempo, fue vocalista del Septeto Lira, el Septeto Caridad y otras agrupaciones de su provincia.

A partir de 1938, ya en la Habana, pasó a formar parte del conjunto de Arsenio Rodríguez, y también trabajó activamente con las orquestas “Melodías del 40” y Arcaño y sus Maravillas, realizando grabaciones y presentaciones en vivo y en la radio.

Durante los años cuarenta desarrolló una intensa vida artística, vivió dos años en Panamá y en 1949 se estableció en Nueva York , como director de la orquesta del trompetista Félix Chappottín.

Trabajó con iconos de la música cubana como Beny Moré, y en 1956 viajó a Caracas a trabajar con el “Bárbaro del Ritmo” con el conjunto “La Tribu”. En el año 1960 retornó a Nueva York, donde realizó diversas presentaciones, incluyendo en el célebre “Palladium “.

Retornó a Cuba en 1966 y fundó su propio conjunto. Participó en el film "Nosotros, la música" y otros documentales. Algunas de las melodías que alcanzaron popularidad en su voz fueron Con maña se rompe, No hay amor sin caridad, Viejo Socarrón, Nos estamos alejando, Canallón, Quimbombó, Yo sí como candela, Ay qué Canuto, Ya tú ves campeón, Cuento na' ma, Mi son, mi son, mi son, Alto Songo, Canto al monte, Cuchillo para la piña cubana, Sacando palo del monte, Camina y prende el fogón, Rompe Saragüey, Convergencia, La protesta de Baraguá, Todos bailan con la guajira, Cárdenas, Guachinango, El carbonero, entre otras, la gran mayoría grabadas con el conjunto Chappottín y Sus Estrellas. Con dicho grupo alcanzó el estrellato. A su muerte aún cantaba con este conjunto.

GRAN AUDICION AL PARQUE!!!

MELOMANOS Y COLECCIONISTAS DE MUSICA "CLAVE & BONGO" invitan a su 7 audición del año 2013 realizando un homenaje a los 10 años de fallecimiento a la Guarachera de cuba CELIA CRUZ y también uno de los grandes cantantes que tuvo la sonora matancera BIENVENIDO GRANDA, con una gran programación de son, guarachas y boleros.... que estos dos artistas nos dejaron con su buena voz.

los esperamos!!! LA MUSICA ES CULTURA PARA UN PUEBLO.

CUBA: Dedican festival a la orquesta de Barbarito Diez

En honor a la memoria de Barbarito Diez, el municipio de Manatí realizarà  El IX Festival de Música Popular Barbarito Diez ,que se realizara en Bolondrón, Matanzas, cuba el 30 de noviembre al 4 de diciembre del 2012, dedicado a los 45 años de la orquesta que lleva el nombre del afamado cantante "Voz de Oro del Danzón". un ícono obligado en la evocación musical de La Habana romántica de los años 1930. Por su inigualable estilo de cantar el danzón.

Barbarito Diez, perfectamente podemos decir que fue el precursor del danzón; nace en Bolondrón, Matanzas, un 4 de diciembre de 1909, y fallece en La Habana el 6 de Mayo de 1995 a sus 86 años  de edad. 

La cita celebrará, además, los centenarios de la fundación del pueblo de Manatí y el natalicio de Paulina Álvarez, la Reina del Danzonete, explicó este jueves en conferencia de prensa Pablo Diez ,presidente del comité organizador del evento.

Como es habitual, la inauguración será en el parque del poblado de Manatí, en Las Tunas, con la actuación de la Banda Municipal de Conciertos, y al día siguiente el cine teatro acogerá la gala de apertura.

Entre los momentos más importantes de la jornada estará la competencia de baile de danzón, que incluirá parejas de niños y de adultos.

José Ramón Artigas, director artístico del certamen, destacó el significado del encuentro teórico, muestra del valor que tiene la obra de Barbarito Diez y otros artistas en la música cubana.

Añadió que para la próxima edición se prevé convertir el festival en un evento internacional, debido a la importancia de una de las principales voces de la cultura nacional y la trascendencia de su obra en países como México, República Dominicana y Colombia.

Fuente: Agencia Cubana de notas.

Bolerista de America, CARMEN DELIA



Carmen Delia Dipini

Carmen Delia Dipiní, nació el 18 de noviembre de 1927 y falleció el 4 de agosto de 1998, era una estupenda y gran cantante puertorriqueña intérprete de boleros latinoamericanos. Su época dorada fue con Johnny Rodríguez y con la Sonora Matancera. Comenzó a cantar en 1937, encaminada por la profesora Amparo Brenes de la Escuela Elemental Eugenio Brac de Naguabo. En 1941 debutó profesionalmente en un programa que don Rafael Quiñones Vidal animaba por la emisora WNAM.

Ayudada por su amiga Ruth Fernández, se trasladó a Nueva York en 1947, donde se hizo cantante profesional. Eso ocurrió cuando estuvo participando en el programa de aficionados de Willy Chevalier en el Teatro Triboro, donde ganó un Primer Premio y la casa disquera Verne la contrató para grabar con Johnny Albino y el Trío San Juan las canciones “El día que nací yo”, “Perdida” y “Duérmete mi Junior”.

Su popularidad en la interpretación de boleros llegó a alcanzar tales proporciones de aceptación por el publico que la admiraba y la admira en todo el continente americano que se le denominó “La bolerista de America”.

 



Añadir leyenda

 Posteriormente fue contratada por la Casa Seeco y con ellos grabó el famosísimo bolero “Besos de fuego”, que, según algunos estudiosos de la música latina, surgió como un tango que convirtieron en bolero para que Carmen Delia Dipini lo interpretara como tal, pero con una singular modulación y un sentimiento implícito que hacen del tema toda una obra de arte que hoy en día forma parte del pentagrama musical hispanoamericano como una de sus pieza más preciadas por todos los éxitos que cosechó y continúa cosechando a través de los años, no obstante que ya esta inmortal cantante de boleros, oriunda de la Isla del Encanto, dejò de existir hace màs de diez años.

Una de las boleristas más carismáticas de la época de oro del bolero, poseedora de una fenomenal voz hecha a la medida para la interpretación romántica, lo que la convirtió en una de las cantantes preferidas de toda la América Latina, incluyendo, por supuesto, a las islas del Caribe. Carmen Delia Dipini nació en Naguabo, Puerto Rico, el 18 de noviembre de 1927 y falleció en Puerto Rico el 4 de agosto de 1998. Se comenta que comenzó a dar sus primeros pasos en el canto a la infantil edad de siete años, de la mano de una de sus profesoras, Amparo Brenes, de la Escuela Elemental Eugenio Brac de Naguabo, donde curso los primeros años de sus estudios básicos. Si fue sorprendente que comenzará a cantar a los 7 años, más sorprendente es que a los 14 años debutó profesionalmente en un programa que don Rafael Quiñones Vidal animaba por la emisora WNAM, ganándose un evidente prestigio y aceptación en todo el orbe por su forma de cantar tan exquisita, emotiva y llena de un gran sentimiento muy profundo y sublime.

Se dice que con la Ayuda de su amiga Ruth Fernández, se trasladó a Nueva York a la edad de 20 años, donde verdaderamente se hizo cantante profesional, ya que se dedicó a ese arte como forma de subsistir como persona a los efectos de cubrir sus necesidades económicas más perentorias. Eso ocurrió cuando estuvo participando en el programa de aficionados de Willy Chevalier en el Teatro Triboro, donde ganó un Primer Premio y la casa disquera Verne, apreciando su talento artístico y lo original de su forma de cantar boleros, la contrató para grabar con Johnny Albino y el Trío San Juan la canción “El día que nací yo”. Trabajó en varios teatros como el Jefferson, Hispano, Puerto Rico y con la radio emisora WWRL, así como en numerosos centros nocturnos.

Posteriormente fue contratada por la Casa Seeco y con ellos grabó el famosísimo bolero “Besos de fuego”, que, según algunos estudiosos de la música latina, surgió como un tango que convirtieron en bolero para que Carmen Delia Dipini lo interpretara como tal, pero con una singular modulación y un sentimiento implícito que hacen del tema toda una obra de arte que hoy en día forma parte del pentagrama musical hispanoamericano como una de sus pieza más preciadas por todos los éxitos que cosechó y continúa cosechando a través de los años, no obstante que ya esta inmortal cantante de boleros, oriunda de la Isla del Encanto, dejò de existir hace màs de diez años.

Un vez grabado con la sensual y exquisita voz de la gran Carmen Delia Dipini al salir al mercado discográfico se convirtió inmediatamente en un verdadero éxito que surco todos los espacios de latinoamerica y de más allá para oír ese trinar tan hermoso, tan expresivo y con tan bellos matices y tonalidades que nos regalara tan grandiosa cantante, sin que existieran los adelantos que hoy en día hacen estrellas del micrófono, pero no de teatros o de escenarios en vivo, como fue el caso de nuestra homenajeada en este segmento.

Otros sostienen que es una inspiración en el tango cuyo título es “El choclo”, por su parecido en la forma melódica de ambas composiciones, y que con una nueva letra de Mario de Jesús, acompañada por la la Orquesta de René Touzet, catapultó definitiva e internacionalmente para siempre a la inmortal Carmen Delia Dipini, dado que ese bolero se instituyó como su carta de presentación en todos los escenarios en donde actuó y cuando se le oía, así como hoy en día se le sigue oyendo, inmediatamente lo relacionábamos y lo relacionamos con Carmen Delia Dipini. Es como una junta indisoluble, como si se hubiese formado una simbiosis entre cantante y melodía, hasta el punto de convertirlas e una sola. Ese, entre otros muchos màs, fue el lagado que nos dejò quien se convirtiera en una verdadera diva de la canciòn romantica, en una de sus màs reconocidas interprete del bolero, del verdadero bolero.

También grabó en Cuba con la Sonora Matancera a mediados de los años 50, prácticamente cuando estaba en lo más alto del pináculo de su carrera, por lo que su éxito estuvo garantizado. Así mismo cantó con el Conjunto Casino e hizo radio y televisión en la Habana con una muy agradable aceptación. Se unió a Johnny Rodríguez y cosechó innumerables éxitos con los temas “Fichas negras”, “Soy mimosa” y “Dímelo”, con los que se consolidó como una completa artista en la interpretación del bolero.

También grabó otros grandes éxitos como “Son amores”, “Experiencia”, “Si no vuelves”, “Delirio” y “No es venganza”, que la mantuvieron en la palestra todo el tiempo, siendo figura obligada en cuantos musicales existieran en toda la América de habla hispana. Durante toda su fructífera carrera grabó 30 discos de larga duración, contándose como un clásico el que realizara, en la década del 60, junto a Tato Díaz del cuarteto Los Hispanos, en homenaje a Sylvia Rexach. Viajó intensamente por toda Latinoamérica. De hecho, en una de sus presentaciones en Venezuela, los fanáticos causaron motines por verla, ya que se había convertido en una verdadera estrella de la canción romántica.  

Por otra parte, visitó México en varias oportunidades, quedándose a residir allí por espacio de siete años. En ese tiempo es contratada para grabar por los sellos multinacionales Columbia y RCA Víctor. Con los últimos produjo el álbum “Especialmente para ti” con el acompañamiento musical de la orquesta de Chucho Ferrer. Se recuerda que en la década del 60 la artista reactivó su catálogo de grabaciones al producir “Encadenados”. En esta grabación Carmen Delia Dipini contó con el acompañamiento musical de Leroy Holmes, quien años antes había acompañado a Tito Rodríguez en el clásico “Inolvidable”.

 

Fuente: Fundación para la Cultura Popular de Puerto Rico. http://www.prpop.org/biografias/c_bios/carmen_delia_dipini.shtml.



"La timba ha protagonizado los escenarios de la música popular en los últimos años. El tiempo podría dar fe de la magnitud del hecho músico-bailable. Mientras tanto, sigue presente en el repertorio de una parte importante de las agrupaciones emblemáticas de la música popular bailable cubana"...

Neris González Bello y Liliana Casanella Cué Santiago de Cuba.

Durante la última década de la pasada centuria apareció en el contexto musical cubano un nuevo término muy utilizado por los creadores e intérpretes para la identificación de su quehacer artístico más reciente dentro del ámbito de lo popular bailable: la timba, la que desde entonces ha protagonizado los escenarios musicales. Precisamente en torno a ella se centra una de las agudas polémicas actuales de críticos, investigadores y musicólogos, en la que, como suele ocurrir, coexisten desde posiciones de defensa y acusaciones hasta las evidencias de un total desconocimiento del tema. En la época actual se destacan dos acepciones estrictamente musicales. La primera de ellas ha servido para nombrar, por convención intuitiva, toda la producción bailable de los 90, independientemente de estilos y códigos específicos. La segunda, por su parte, se refiere a la manifestación o posible género concreto, con sintaxis y caracteres estilístico-expresivos propios bien diferenciados.

Una tercera, de otra índole, proviene del ámbito extramusical para emplear dicha nomenclatura como concepto de marketing, que intenta diferenciar las composiciones nacionales sonero-salseras de los últimos años, de las producidas fuera de la Isla. El hecho es que tal fenómeno musical (y su vocablo) cristalizaron y se acuñaron como estilo/género a principios de la década de los 90, cuando sus rasgos ya estaban presentes en el repertorio de varias agrupaciones con los antecedentes referidos, y de otras que habían surgido desde el lustro anterior, cuya creación era denominada hasta entonces de otro modo, fundamentalmente como salsa, con todos los apellidos que se le quisieron adjudicar. Terciar sobre el asunto se convierte ahora en una tarea importante y necesaria, teniendo en cuenta los pocos estudios y las escasas fuentes especializadas que sobre el mismo existen, sin pretender, no obstante, poner punto final a la serie de discusiones y criterios contradictorios que se han generado hasta la fecha. La teorización en torno a la timba constituye un empeño realmente complejo al tratarse de un suceso muy actual, sensible incluso a variar como proceso dialéctico. De igual modo, en el campo de los estudios teóricos de la música es vital establecer un distanciamiento temporal para emitir criterios concluyentes, hecho que resulta imposible en el presente objeto de investigación, considerando las características del mismo. Estamos en presencia de una manifestación que durante la década de los 90 marcó lo medular de la música popular bailable en la Isla, y aunque su protagonismo ha sido variable, es indudable su fuerte incidencia en nuestro entorno como portadora de una serie de elementos propiamente musicales y extramusicales concretos, que posibilitan un mejor acercamiento a ella para su definición. Los antecedentes u orígenes del término en Cuba se remontan a décadas anteriores. Múltiples han sido sus significaciones para referirse a aspectos bien diferentes. En el ámbito musical, hay indicios que señalan, por una parte, a ciertos elementos introducidos por la banda Irakere, y por otra, a nutrientes de la rumba, como dos de los puntos referenciales o fuentes cercanas, pues el público participante o los tocadores, a veces acudían a la expresión “la timba está buena” para aludir positiva y emocionalmente a la riqueza de contrastes rítmicos y al ambiente que la misma provocaba.