jueves, 18 de junio de 2020

¿QUÉ PASÓ CON LOS QUE CANTABAN “LA BAMBA” ?



"La bamba" fue grabada para la película homónima de 1987 que firmó Luis Valdez en 1987.

No hay radio de rock en el planeta que no pinche "La bamba" de Los Lobos cada pocos días, pero el fenomenal éxito con aquella versión de Ritchie Valens ha llegado a ocultar, en parte, el enorme legado de una banda arrebatadoramente original que ha sabido tener un pie en Estados Unidos y otro en México.



Con casi medio siglo de historia a sus espaldas, Los Lobos sigue ignorando el paso del tiempo y no resulta difícil encontrarles actuando en escenarios medianos en EE.UU., de teatros a ferias veraniegas pasando por actos benéficos.

Tampoco la pandemia les ha frenado por completo, ya que el 4 de julio, Día de la Independencia de EE.UU., darán un concierto en formato "drive-in" (como los autocines) en la ciudad californiana de Silverado.
“Solo otra banda del este de Los Ángeles”
Entre modesto y mentiroso, el eslogan de Los Lobos dice que son "solo otra banda del este de Los Ángeles".

Pero desde que comenzó en 1973, la formación de David Hidalgo, Louie Pérez, César Rosas, Conrad Lozano y Steve Berlin se ha distinguido por haber llevado, con mucho orgullo, la cultura chicana a todo el mundo.

Es difícil entender Los Lobos sin tener en cuenta el contexto de East Los Angeles: un barrio de inmigrantes latinos, de murales de inspiración mexicana, de "lowriders", de tatuajes de tinta gris y negra, de movilizaciones chicanas, de puestos de tacos en las esquinas, de fiestas con ritmos latinos, y de violencia callejera por las pandillas.

Ahí brotó la identidad de Los Lobos, que a partir del rock miraban a la cumbia, el son jarocho, los corridos, los boleros, el country, el rhythm and blues...

...y que con "La bamba", grabada para la película homónima de 1987 que firmó Luis Valdez (1987), tocaron el cielo sin esperarlo.

"Nos imaginábamos que el menos más gente sabría de Ritchie Valens", dijo Lozano en el libro "Los Lobos - Dream in Blue" (2015) de Chris Morris.

"Porque, sabes, nada bueno había salido en lo que estuviera involucrado un mexicano como director o productor", ironizó.

Admiradores selectos
Un grupo no solo se mide por sus ventas o popularidad sino también por los fans que tiene entre sus compañeros músicos.

Y Los Lobos puede presumir de tener admiradores muy selectos.

"Son chefs magistrales creando nueva cocina. A veces suenan como si estuvieran tratando de recrear los sonidos que han escuchado en todas las habitaciones en las que han vivido", aseguró Tom Waits.

"Los Lobos suenan mejor en una feria en un descampado con generadores eléctricos gimiendo como tractores y los ruidos de los juegos recreativos. Son músicos consumados y te puedes nutrir de escucharles y de aprender de ellos. No son como nada: son Los Lobos", añadió.

Una parte fundamental de la leyenda de Los Lobos se asienta sobre su directo, y, a lo largo de su carrera, han acompañado de gira a artistas como Bob Dylan, Grateful Dead, Neil Young o U2.

Aunque no todos sus encuentros con estrellas han sido de color de rosa: su breve y conflictiva participación en "Graceland" (1986) acabó con Los Lobos atacando a Paul Simon por no citarles como compositores en "All Around the World or the Myth of Fingerprints".

¿Por dónde empezar?
No es fácil bucear en un grupo con tantos discos y que casi siempre se ha sentido más cómodo en segunda fila que ante los grandes focos, así que aquí van unas pistas para sumergirse de cabeza en Los Lobos más allá de "La bamba".

"How Will the Wolf Survive?" (1984), ya tras una década de trayectoria, es probablemente el primer gran triunfo de Los Lobos, aunque en general se considera que su obra maestra es "Kiko" (1992).

La imagen más tradicional y folclórica de la banda aparece en "La pistola y el corazón" (1988), mientras que el rostro más sombrío y melancólico de Los Lobos se deja ver en "The Town and The City" (2006).

Una curiosidad de su discografía que también merece la pena es "The Ride" (2004), un álbum en el que se rodearon de invitados de lujo como Café Tacvba, Rubén Blades, Mavis Staples, Tom Waits, Elvis Costello o Richard Thompson.

Y si uno no tiene la suerte de poder verlos en directo, siempre puede hacerse una idea de la magia de Los Lobos sobre el escenario con un disco en vivo como “Live at the Fillmore” (2005).

NOCHE DE CANTAUTORES EN EL CORONA SOUNDS LIVE


Hoy jueves se presentan Mikie Rivera, Fernando Madera, Ale Croatto, Nore Feliciano y Mily en formato virtual.


La serie de conciertos Corona Sounds Live continúa hoy jueves con los cantautores puertorriqueños Fernando Madera, Ale Croatto, Nore Feliciano, Mily y Mikie Rivera.


A partir de las 8:00 p.m., a través del Facebook Live de Corona PR se podrá ver la edición musical.

Uno de los primeros en presentarse es Fernando Madera, músico puertorriqueño que se desempeña como compositor, cantante y guitarrista de la escena independiente.

Por su parte, Ale Croatto, nieto del fenecido cantautor Tony Croatto, descubrió su pasión por la música desde temprana edad acompañando a su abuelo. Su propuesta es primordialmente acústica, combinando elementos del rock, rumba y reggae. Con su estilo busca no tan solo promulgar la cultura, dándole nueva vida a estos temas y manteniendo vivo el legado de su abuelo, sino crear nueva música antillana, contribuyendo positivamente a la cultura puertorriqueña.
Nore Feliciano es una cantante, compositora y guitarrista de Luquillo, Puerto Rico. Además de su trabajo en solitario, Nore es integrante de La Banda Acústica Rodante, agrupación musical formada por los veteranos cantautores Tito Auger (Fiel a la Vega), Rucco Gandía, Mikie Rivera y Walter Morciglio.

La cantautora Mily muchos la recuerdan como parte del dúo UNNA.

Mientras que Mikie Rivera con más de dos décadas de carrera musical, ha logrado ganarse la admiración y el respeto como cantautor tanto en Puerto Rico como en otros países de Latinoamérica. Mikie también es miembro de La Banda Acústica Rodante en la que comparte trabajos con los cantautores Tito Auger, Rucco Gandía, Walter Morciglio y Nore Felicano.


VIDEOCLIP FILMADO EN LA HABANA SE HACE VIRAL EN CHINA



Un videoclip filmado en Cuba se hace viral en internet a pocas horas de su estreno en las plataformas digitales. Se trata del tema «Mojito», del popular cantante chino Jay Chou. Estrenado el pasado 12 de junio, obtuvo más de 3 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas en YouTube.


Para la filmación del video se emplearon locaciones icónicas de La Habana como el malecón y el centro histórico, donde mezcla a músicos cubanos y chinos tocando instrumentos tradicionales de ambos países. La canción, de temática romántica, fue titulada «Mojito», añadiéndole un toque latino al estilo del ídolo asiático.

«Cuba siempre ha sido el lugar al que quiero ir porque hay todo tipo de autos antiguos, todos saben que me encantan los autos antiguos», declaró Jay Chou al canal MV.

Además de haber obtenido popularidad en China como cantante, Jay Chou es también un reconocido productor, actor y director en toda Asia. Durante su carrera ha vendido más de 25 millones de álbumes en todo el mundo y en 2007 fue nombrado una de las 50 personas más influyentes en China por el ‘think tank’ británico Chatham House.


Si no quieres perderte este videoclip, aquí te lo dejamos:


SILVIO RODRÍGUEZ VUELVE A SER UN TROVADOR CON GUITARRA


Este el Silvio más esencial, el de las letras inspiradas por cotidianidades: aquel al que dejó el tren por impuntual, el momento de la vida que se refleja en el espejo del pasado, los hechos inevitables. Rodríguez, para el gusto de sus más acérrimos seguidores, ha vuelto con lo sencillo, hasta en lo instrumental.




'Para la espera' es el compendio de 13 composiciones, una de ellas instrumental, todas escritas y producidas por el cubano, de 73 años, que firma icónicos temas como 'Ojalá', 'La maza' y 'Mi unicornio azul'.

“Hablando objetivamente, es más cómodo tocar con músicos, porque puedes concentrarte más en la interpretación vocal. Autoacompañarse, aunque obtiene un resultado más personal, multiplica la responsabilidad, son más funciones simultáneas, es más complejo. Suelo trabajar mucho con los músicos por esa razón. Porque intento que el ensamble llegue al grado de compenetración que alcanzo con la guitarra. Si se trabaja adecuadamente puede haber muy buenos resultados. Mis compañeros músicos a menudo sufren esa obsesión que tengo, pero lo cierto es que lo entienden y trabajan conmigo en ese sentido”.

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Es la primera vez que Rodríguez lanzará un disco solamente en plataformas digitales; pero quiere “que la gente aquí en Cuba lo tenga, que lo copien, que lo graben. Quiero regalarles este disco a los cubanos”.

Después de Amoríos, del 2015, álbum en el que contó con acompañamiento de banda de jazz, Silvio ha vuelto a ser trovador con guitarra.

En 'Para la espera' incluye los cortes 'La adivinanza', 'Aunque no quiero veo que me alejo', 'Conteo atrás', 'Noche sin fin y mar', 'Viene la cosa', 'Jugábamos a ser Dios', 'Si Lucifer volviera al paraíso', 'Una sombra', 'Los aliviadores', 'Modo frigio (tema soñado)', 'Danzón para la espera', 'Después de vivir' y 'Página final' (que es instrumental)-.

“En general –resume– el disco está hecho de canciones que, aunque haya sentimientos afines, son muy distintas entre sí, y eso es algo que me complace. Eso y que no hay violencia. Son canciones introspectivas, suavecitas; aunque nunca me gustaron las canciones bonitas”.

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¿Cuáles son las canciones bonitas?

Esas que son así, melódicas... No las persigo ni las odio tampoco, pero desconfío un poco de lo bonito, por principio.

Solo tres canciones del disco no son inéditas. 'Viene la cosa' es una de ellas, cantada varias veces en los conciertos en los barrios, que ya suman 109 a lo largo de más de diez años”.

'Jugábamos a Dios' es otra. La hice para 'Afinidades' -cuenta-, una película de Pichy [Jorge Perugorría] y Vladimir Cruz sobre la corrupción. Entonces yo quise compensar ese tema con algo de la inocencia original, de que llegamos a esto pero antes fuimos de otra manera, tuvimos otro pasado.

'Si Lucifer volviera al paraíso' también trata sobre el desvío, el destino que no fue, lo que pudo ser otra cosa o tomar un camino diferente. A mí siempre me fascinó esa historia de que Lucifer había sido un ángel. Tú me dices que lo más malo que hay... había sido un ángel, ¡¿fue ángel?!.

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 Son canciones introspectivas, suavecitas; aunque nunca me gustaron las canciones bonitas


¿Por qué le fascinó?

Descubrir que el símbolo del mal, Lucifer (portador de la luz), fue primero uno de los arcángeles de Dios; esto, y el hecho de que después adoptara el nombre de Satán (oponente o adversario), me hizo pensar que este tema crucial de la cultura cristiana –que en diversos sentidos heredamos– viene de una diferencia de opiniones, de un hijo que se rebela a los preceptos paternos, de un hecho generacional. Ese es un tema. Que no se detiene ahí, porque continúa con la posibilidad de que el supuesto diablo de tiempos gloriosos ya no sea tal sino más bien un pobre diablo del que algunos hacen mofa. Pasa en la vida en muy diferentes direcciones, sobre todo a quienes tienen la costumbre de alardear (de lo que sea).

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¿Ha compuesto algo en estos días de aislamiento?

No he tocado la guitarra. La paso escribiendo, pintando, atendiendo el blog y disfrutando de mi familia.

Cree que después de la pandemia, ¿seguirá igual la vida?

Hay muchos pensadores de distinto calibre y tendencias reflexionando sobre lo que estamos viviendo. Yo personalmente no creo que el mundo vaya a cambiar mucho. Vamos a tratar de volver a ser nosotros, para bien y para mal. Ya estamos mal acostumbrados y mal hechos, y hay muchos intereses con poder. Sí creo que es posible que todo esto nos ayude a reflexionar sobre la libertad y la transparencia.

¿Sigue sintiéndose en control de su blog?

No. Ahora soy un servidor público–se ríe–. Empecé siendo el dueño y ahora estoy en función del colectivo. No me desagrada eso, pero me recuerda por qué nunca me atrajo la política. No tengo lo que hay que tener para estar 24 horas dedicado al público. Me necesito, necesito tener rinconcitos propios para hacer lo que tenga ganas de hacer. Con los años uno cada vez más quiere hacer solamente lo que tiene ganas de hacer.

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¿Cómo entra el público en eso?

Nunca me gustó el público, los escenarios. Yo salí porque entendí que debía y porque quise hacerlo, y sí, puede que haya cogido algún vicio de eso. Uno era más joven y necesitaba probar cosas, probarse cosas, y eso está bien si uno tiene algo interesante que decir; pero tampoco es lo más grande: hay cosas mucho más grandes.

Sin embargo, dicen que el público es lo más grande que tiene un artista…

Bueno, el público es el que hace al artista; pero a la vez también hay grandes artistas sin mucho público, y personas que no son artistas y sí lo tienen. La escena y la relación con el público tienen mucho extra artístico que influye. En los conciertos en los barrios por ejemplo eso es distinto, porque no es propiamente "un público", sino personas que están en sus casas, y somos nosotros los que vamos. Yo quiero ir allí a compartir, nadie pagó para vernos. En ese sentido los barrios rompen esa dinámica de espectáculo, y es lo apasionante.

REDACCIÓN CULTURA

EL 40 ANIVERSARIO DEL GRUPO NICHE BAJO EL CONCEPTO DE JOSÉ AGUIRRE


Se lanza el álbum 40 Aniversario del Grupo Niche y es la primera grabación de la orquesta sin temas de Jairo Varela. El pensamiento de José Aguirre está en ebullición.


Este disco se trabajó entre 8 y 10 meses de entre diferentes estudios, pero el problema era el reto, hacer una propuesta para los hijos de Varela, que conforman la sociedad que rige el grupo. Inicialmente se contempló tener otras composiciones, pero no fue viable. Aguirre lo trabajó con toda su alma, pensando en las épocas que estuvo al lado de Jairo Varela. Hicieron juntos 11 producciones. Aguirre me dice: “Yo tengo claro, por lo menos, qué no le gustaba a Varela en la música”.

El director musical de Niche confiesa sentarse a hacer una composición para el Grupo Niche, después del monstruo de producciones y de hits y éxitos que hizo Jairo, pues es muy difícil. “Lo que hice fue sentarme y empezar escribir, yo me tengo confianza escribiendo porque hace mucho tiempo lo hago, y he producido muchas cosas que han sido éxitos también, pero esto era un reto completamente nuevo y me fui yendo canción por canción”, asegura, en una conversación que tuve con él hace unos meses.

Sigue explicando: “Yo tengo la facilidad de una canción terminada porque como soy arreglista también y productor también. Cuando iba presentando las canciones, las entregaba arregladas de una vez, y eso facilitaba mucho que se viera una buena audición, por el hecho de que los arreglos facilitan mucho dar una buena impresión. En el arreglo le das la onda del Grupo Niche porque yo escribí mucho con Jairo en vida, y de esa forma lo fui desarrollando”.

Finalmente, no aparecieron otros temas, Aguirre terminó presentando 15 temas y se escogieron los suyos. Se alegró de la determinación de Yanila Varela, quien, después de la muerte de Jairo, ha tomado decisiones claves en la vida de Niche. Al principio, Yanila no estaba convencida de volver a grabar, lo consultó con músicos, productores y empresarios, y lo discutió con sus hermanos, porque ellos toman decisiones conjuntas. Con el álbum 35 Aniversario se consiguieron cosas importantes, nominaciones a grandes premios. De parte de Aguirre su idea sí era grabar. Aguirre, conversando con Yanila Varela, le puso ejemplos de varias agrupaciones importantes y legendarias que hicieron grabando. La gente lo espera. El legado se debe defender. También estaba de por medio una recomendación de un manager que trabajaba con un gran cantante, pero él mismo volvió a grabar. Primero se discutió hacer temas sencillos. Sin embargo, se impuso la idea de terminar todo el álbum y discutir la comercialización después. Se acordó empezar a grabar en Puerto Rico con todos los músicos.

Por: Umberto Valverde / Martin Gomez

jueves, 11 de junio de 2020

ADALBERTO ÁLVAREZ PIDE SUSTITUIR LA PALABRA SALSA


El compositor cubano hizo un llamado a los que forman parte de la industria musical latina para continuar con su propuesta.


Adalberto Álvarez abrió el debate en las redes sociales, proponiendo llamar a los géneros de la música latina por su nombre y no bajo el paraguas de la palabra salsa.
A través de su cuenta de Facebook, el compositor cubano pidió a los Djs, locutores de radio, presentadores de televisión y profesores de las escuelas de baile a que incentiven esto en sus respectivos trabajos, a fin de desplazar esta costumbre iniciada en los 70.

«¿Por qué no sustituir la palabra salsa y comenzar a llamar por su nombre a cada uno de los géneros de nuestra música? Si en aquel tiempo no pudimos, hoy en día la situación es diferente. Arriba Djs, locutores de radio, presentadores de televisión y profesores de baile que aman nuestra música en cualquier parte del mundo, Si de verdad quieren ayudar, cuando la pongan, llámenla por su nombre», expresó.
Según el autor de ‘Agua que cae del cielo’, esta propuesta hecha por él es una deuda que tienen los latinos con quienes crearon originalmente estos ritmos.

«Ahora vamos a escuchar un son montuno o una guaracha, un mambo o un chachachá, y haremos justicia a los creadores de esos ritmos a los que tanto le debemos. Solo se trata de llamar las cosas por su nombre. La historia de nuestra música lo va a agradecer» finalizó.


LA ORQUESTA ARAGÓN CELEBRA SUS 80 AÑOS CON EL ÁLBUM ‘ICONO’



La producción tiene 9 temas y ya puede adquirirse en las plataformas más populares. La agrupación, dirigida por Rafael Lay, es un emblema de la música en Cuba.

Rafael Lay, el director de la Orquesta Aragón, está feliz con el lanzamiento de su más reciente álbum titulado ‘Icono’. “Recorrer 80 años llevando música por todo el mundo no es nada fácil, consta de un amplio diapasón de requisitos que cuando se juntan procrean este resultado que traemos para brindarles”, posteó en la cuenta oficial de la agrupación en Facebook.


‘Icono’, grabado para el sello Colibrí, incluye un tema celebratorio escrito y arreglado por el mismo Rafael Lay y titulado ‘Ochenta’. Igualmente, el número ‘Contigo’, composición de Joaquín Sabina. Si bien ambas son canciones nuevas en el repertorio, la orquesta también optó por recrear algunos clásicos como ‘Quiéreme siempre’ y ‘Mira a ver quién es’, por citar algunos.

La producción de la Aragón, que ha sido elogiada por Gilberto Santa Rosa e Issac Delgado, luce nuevos aires y brillos en este 2020. “Gracias a todos los que han hecho posible este álbum y esperamos que lo disfruten al máximo. ¡Ponle el cuño, es Aragón!…”, exclamó emocionado el director de la orquesta.

Regresamos a FM: VUELVE LA BEMBA COLORA