EL JOE

Álvaro José Arroyo González, (Cartagena de Indias, 1° de noviembre de 1955; † Barranquilla, 26 de julio de 2011), más conocido como Joe Arroyo, fue un cantante y compositor colombiano, considerado como uno de los más grandes intérpretes de la música caribeña de su país.

Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares de mala muerte de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal. En sus inicios cantó con agrupaciones como la de Manuel Villanueva y su Orquesta y el Super Combo Los Diamantes, ambas en 1970, y en 1971 grabó con La Protesta.

En 1973 tiene su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, cantante, compositor y productor de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó hasta 1981. Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes (Los barcos en la bahía), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers (La guarapera), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán (Volvió Juanita) y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes.[4] También hizo coros en otros grupos como Piano Negro, Afro Son, Los Rivales, Los Bestiales, Wanda Kenya, los Hermanos Zuleta, el Binomio de Oro, Juan Piña, Mario Gareña, Gabriel "Rumba" Romero, Claudia Osuna, Claudia de Colombia, Oscar Golden, Yolandita y los Carrangueros, entre otros.

En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña (cumbia, porro, chandé, entre otros) y con diversos ritmos del Caribe (socca, reggae) hasta crear su propio ritmo, el "joesón". Algunos de los éxitos grabados con La verdad son clásicos de la música costeña que le valieron muchos premios y ser considerado el Rey del Carnaval de Barranquilla.

Uno de sus mayores éxitos fue "Rebelión" (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de "Rebelión" un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente. En México sucede el mismo fenómeno desde que se publicó por primera vez el tema en el LP "Tequendama de Oro Volumen 7" de Discos Peerless en 1987 y su LP "Joe Arroyo y su Orquesta La Verdad, Grandes éxitos", aún a la fecha el tema es muy popular en el movimiento sonidero.

Otras de las canciones más exitosas de Joe Arroyo fueron "El Caminante", "Confundido", "Tania" (dedicada a su hija) y "El Ausente", todas grabadas con Fruko.

El álbum "Fuego en mi mente" (1988) contiene canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con "La guerra de los callados" (1990), realizó su primera gira española. En 1993 editó "Fuego" y volvió a tocar en España.

Joe Arroyo grabó con las casas disqueras Discos Tropical (1970-1971), Discos Fuentes (1973-1990) y Discos Sony (1991-2002). Luego de una temporada de 11 años en Discos Sony, regresó a Discos Fuentes de Medellín en 2003, donde grabó sus últimos trabajos: Se armó la moña en carnaval (2004), Mosaico de trabalenguas (2006) y El Super Joe (2007).

Joe Arroyo es uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone.

Desde principios de los años 80, Joe Arroyo sufrió múltiples quebrantos de salud que le impidieron realizar giras de conciertos y por los cuales varias veces fue dado por muerto. El 7 de septiembre de 1983 fue dado por muerto tras sufrir una tiroides retrospectiva que lo mantuvo alejado de los escenarios.En 2000, estuvo a punto de morir en Barcelona a causa de un coma diabético y una neumonía.

Su historia médica registró una isquemia, problemas renales, motrices y dificultad para cantar. Incluso en algunos conciertos debió ser ayudado a subir a la tarima debido a estados de debilidad y desorientación.

La salud del cantante cartagenero se vio afectada el 26 de abril de 2011 y permaneció internado desde fines de junio de 2011 en la clínica La Asunción de Barranquilla en cuidados intensivos por un cuadro clínico de crisis hipertensiva, cardiopatía isquémica y diabetes mellitus con descompensación simple. Estuvo conectado a un respirador artificial, se le practicó diálisis y se le realizó una traqueotomía. Su estado dio lugar a que en las redes sociales lo dieran por muerto, lo cual era desmentido tanto por sus familiares como por la institución hospitalaria. Todo lo anterior se desarrolló en medio de una polémica entre la familia anterior del cantante (su exesposa Mary Luz Alonso y sus hijas) y sus amigos, que consideraban que Joe estaba siendo explotado por su esposa Jacqueline Ramón y por su representante musical, quienes manifiestaban que Joe Arroyo no padecía quebrantos importantes de salud y anunciaban su pronto regreso a los escenarios.

Murió el 26 de julio de 2011, a las 7:45 am hora Colombia, en la clínica La Asunción de Barranquilla a causa de un paro cardiorrespiratorio, producto de una falla multiorgánica (tensión alta, infecciones, problemas renales) que lo había mantenido en cuidados intensivos desde el lunes 27 de junio del mismo año.


Discografía

Discos Tropical

1970 Hasta la madrugada (con Manuel Villanueva y su Orquesta); Los Diamantes de Rubén Darío Salcedo (con el Supercombo Los Diamantes).
1971 Bajado no - Sencillo grabado con La Protesta.

Discos Fuentes

1973 Fruko el bueno ayunando, Fruko el violento
1974 Fruko el bueno el caminante, La interesada
1975 Fruko el grande, El Medallón
1976 Fruko el bárbaro, Te encontré, Los bestiales
1977 Fruko el patillero, Báilame como quieras
1978 Fruko el cocinero mayor, Suavecito apretadito, Pacho Galán
1979 Fruko el teso, En su salsa
1980 Fruko el espectacular, Los Titanes
1981 Arroyando, Con gusto y gana, Fruko el genio, Latin Brothers 81
1982 El campeón
1983 Actuando
1984 Hasta amanecé
1985 Me le fugué a la candela
1986 Musa original
1987 Echao palante
1988 Fuego en mi mente
1989 En acción
1990 La guerra de los callados

Discos Sony

1991 Toque de clase
1993 Fuego
1994 Sus razones tendrán
1995 Mi libertad
1996 Reinando en vida
1997 Deja que te cante
1998 Cruzando el milenio
1999 En sol mayor
2002 Marcando terreno
Discos Fuentes
2004 Se armó la moña en carnaval
2006 Mosaico de trabalenguas
2007 El Super Joe

Éxitos

Algunos de los éxitos más importantes de Joe Arroyo fueron:

Con Fruko y sus Tesos:

Tania
El caminante
El ausente
Nadando
Manyoma
El cocinero mayor
Confundido
Ayúdala por favor
Catalina del mar
Con Los Líderes

Los barcos en la bahía
Con la orquesta de Pacho Galán

Volvió Juanita
Con The Latin Brothers

La guarapera
Patrona de los reclusos
Con La Verdad

La rumbera
Bolobonchi
Mary
Rebelión
La noche
Centurión de la noche
A mi Dios todo le debo
Musa original
Yamulemau
Las cajas
Echa'o palante
En Barranquilla me quedo
Tumbatecho
Abandonaron el campo
Amerindio
Pa'l bailador
La fundillo loco
Quien lo sabe bailar
De clavel
Son apretao
Alma navideña
Luz Ángela
Tamarindo seco
Negro chombo
Mama
Teresa vuelve
Noches de arreboles
Simula timula
Te quiero más
Ella y tú
El trato
Amanecemos sí

Sentido adiós de Colombia a Joe Arroyo, el 'centurión de la noche'

Cientos de personas le rinden homenaje en las afueras de La Clínica Asunción, donde murió.

'El Joe', uno de los artistas más importantes del género tropical en el país y famoso por temas como Tania, Rebelión, La noche y Echao pa'lante, murió este martes a las 7:45 a.m. de un paro cardiorrespiratorio luego de 29 días de reclusión en la unidad de cuidados intensivos de ese centro hospitalario de la capital de Atlántico (Parte I: La vida y obra de Joe Arroyo: Rebelión).

Y una vez se confirmó la noticia, en las afueras de la clínica comenzó la peregrinación para despedirlo. Pocos minutos después de la hora de su deceso, la calle 71 con carrera 41D dejó de ser una de las más apacibles, ideal para que los médicos traten a sus pacientes, para llenarse de salsa, de lamentos y de curiosos(Parte II: La vida y obra de Joe Arroyo: Me le fugué a la candela).

Las caras de tristeza abundan. Entre pacientes y transeúntes. Incluso, algunos todavía preguntan si es cierta la noticia, como si quisieran que fuera una más de las tantas cadenas de mensajes que a través de las redes sociales dieron por muerto al artista (Parte III: La vida y obra de Joe Arroyo: En Barranquilla me quedo).

"¿Qué pasó?, ¿qué es tanto alboroto?", preguntaba desprevenida Alba Arteaga, quien estaba en la clínica acompañando a su hija por el nacimiento de su nieto. La cara de trasnocho de la ama de casa cambió por una de impotencia al saber que la romería se debía a la partida de uno de los artistas más queridos de Colombia y especialmente de Barranquilla y la Costa Caribe. (¿Quién era Joe Arroyo?).

Cientos de personas a pie, en taxis, en sus vehículos particulares querían darle un Adiós desde las afueras de La Asunción a su artista favorito.

Uno de ellos fue el humorista 'Joselo', quien a pesar de no haber compartido nunca con Joe Arroyo, no se aguantó las ganas de cerciorarse del fallecimiento de uno de sus ídolos.

"Es una pérdida intangible. Es un ejemplo para todos, pero lo importante es el legado que nos deja y una obra que jamás será olvidada", dijo el cómico.

Con el pasar de los minutos llegan más y más personas que están dispuestos a acompañar a su ídolo desde la acera del frente del sitio donde pasó sus últimos 30 días de existencia.

"Es como para brindarle nuestra energía. Igual, no lo podemos creer. Escucho sus canciones y me parece un mal sueño", dijo Carlos Esquivel, comerciante que decidió no ir a trabajar para poder asimilar la muerte de Arroyo.

Un representante de Sayco dijo a los medios que el cuerpo de Joe Arroyo será enviado este martes a la Catedral de Barranquilla, donde será velado. Sobre el sepelio informó que será este miércoles a las 4:00 p.m. en los Jardines de la Eternidad, información que no fue confirmada por ninguno de los familiares del fallecido artista.

"Medellín en su salsa". Un documental de imágenes para ver y escuchar

Ya comenzó el rodaje del documental "Medellín en su salsa", un documental lleno de imágenes para ver y escuchar, con la salsa y el sabor de Medellín.

Un proyecto de la casa productora Piso Sie7e, donde se presentará un balance de la salsa, la escena salsera y sus actores.

Dar a conocer la historia de la salsa en Medellín y su influencia en la sociedad que adoptó este ritmo como forma de vida, conocer cómo y en que consiste esta influencia provocada por la mezcla Medellín, salsa y sociedad.

Un recuento de la historia de la salsa y su influencia en la sociedad a través de los actores de la escena salsera, como expresión artística de una sociedad.

Utilizando como hilo conductor la estación de radio latinastereo, este documental dará al espectador un paseo por las entrañas de la salsa y cada uno de sus personajes salseros.

"Entre la música y el lenguaje del argot popular se abre y se cierra el circuito de la identificación Medellín pura, pura salsa"

"La timba ha protagonizado los escenarios de la música popular en los últimos años. El tiempo podría dar fe de la magnitud del hecho músico-bailable. Mientras tanto, sigue presente en el repertorio de una parte importante de las agrupaciones emblemáticas de la música popular bailable cubana"...

Neris González Bello y Liliana Casanella Cué Santiago de Cuba.

Durante la última década de la pasada centuria apareció en el contexto musical cubano un nuevo término muy utilizado por los creadores e intérpretes para la identificación de su quehacer artístico más reciente dentro del ámbito de lo popular bailable: la timba, la que desde entonces ha protagonizado los escenarios musicales. Precisamente en torno a ella se centra una de las agudas polémicas actuales de críticos, investigadores y musicólogos, en la que, como suele ocurrir, coexisten desde posiciones de defensa y acusaciones hasta las evidencias de un total desconocimiento del tema. En la época actual se destacan dos acepciones estrictamente musicales. La primera de ellas ha servido para nombrar, por convención intuitiva, toda la producción bailable de los 90, independientemente de estilos y códigos específicos. La segunda, por su parte, se refiere a la manifestación o posible género concreto, con sintaxis y caracteres estilístico-expresivos propios bien diferenciados.

Una tercera, de otra índole, proviene del ámbito extramusical para emplear dicha nomenclatura como concepto de marketing, que intenta diferenciar las composiciones nacionales sonero-salseras de los últimos años, de las producidas fuera de la Isla. El hecho es que tal fenómeno musical (y su vocablo) cristalizaron y se acuñaron como estilo/género a principios de la década de los 90, cuando sus rasgos ya estaban presentes en el repertorio de varias agrupaciones con los antecedentes referidos, y de otras que habían surgido desde el lustro anterior, cuya creación era denominada hasta entonces de otro modo, fundamentalmente como salsa, con todos los apellidos que se le quisieron adjudicar. Terciar sobre el asunto se convierte ahora en una tarea importante y necesaria, teniendo en cuenta los pocos estudios y las escasas fuentes especializadas que sobre el mismo existen, sin pretender, no obstante, poner punto final a la serie de discusiones y criterios contradictorios que se han generado hasta la fecha. La teorización en torno a la timba constituye un empeño realmente complejo al tratarse de un suceso muy actual, sensible incluso a variar como proceso dialéctico. De igual modo, en el campo de los estudios teóricos de la música es vital establecer un distanciamiento temporal para emitir criterios concluyentes, hecho que resulta imposible en el presente objeto de investigación, considerando las características del mismo. Estamos en presencia de una manifestación que durante la década de los 90 marcó lo medular de la música popular bailable en la Isla, y aunque su protagonismo ha sido variable, es indudable su fuerte incidencia en nuestro entorno como portadora de una serie de elementos propiamente musicales y extramusicales concretos, que posibilitan un mejor acercamiento a ella para su definición. Los antecedentes u orígenes del término en Cuba se remontan a décadas anteriores. Múltiples han sido sus significaciones para referirse a aspectos bien diferentes. En el ámbito musical, hay indicios que señalan, por una parte, a ciertos elementos introducidos por la banda Irakere, y por otra, a nutrientes de la rumba, como dos de los puntos referenciales o fuentes cercanas, pues el público participante o los tocadores, a veces acudían a la expresión “la timba está buena” para aludir positiva y emocionalmente a la riqueza de contrastes rítmicos y al ambiente que la misma provocaba.

Novedades sobre el salsero Michael Stuart en 2011

Michel Stuart comenzó el año produciendo el concierto homenaje “Recordando los grandes de la salsa” en San Juan de Puerto Rico. El 15 de enero del 2011 salieron a la tarima: Luisito Carrión, Moncho Rivera, Domingo Quiñones y Michael Stuart, además contaron con la participación especial de Andy Montañez, Tito Nieves, Ismael Miranda, Charlie Aponte, Roberto Roena, Paquito Pérez, Luis “Perico” Ortiz y Junior González, todo ellos dirigidos por el gran maestro David Marcano, deleitando a los salseros de la mata. En este especial que duró tres hora y media de rica y melodiosa salsa en donde se escucharon éxitos como: “Panteón de amor”, “Cari caridad”, “Cuando se canta bonito”, “De patitas”, “Bomba cara bomba” y “Un verano en Nueva York” entre otros.

Este año participó en la película “América” (cine Puertoriqueño) en la que interpreta a “Orlando” un rumbero de New York. “Yo soy quien la alegra y pone a bailar”. Finalizamos, con las declaraciones de Michael en que admite que durante este año se encuentra reorganizando su carrera musical, se en la que presentará su nuevo trabajo. “Me encuentro preparando lo que va a ser la gira que comenzará en abril. Lo que queda del año será bien intenso y gratificante después de tres años sin sacar una producción”, indicó Michael Stuart.

EL SON MONTUNO...

El son montuno sentó las bases para el desarrollo de lo que a partir de los años 70 se denominó comercialmente como Salsa. A pesar de que la salsa es una mezcla de ritmos cubanos, muchos dicen que se basa principalmente en el son montuno de Arsenio Rodríguez. Arsenio se inspiró en el guaguancó y acentuó su orquestación mediante el uso de trompetas , del tres y la introducción de nuevos instrumentos como la conga y el piano. También Benny Moré le añadió nuevas influencias al son montuno, principalmente de elementos provenientes de la guaracha y el bolero.

El son montuno quiere decir literalmente son de las montañas o del monte. El son cubano nace originalmente en la parte oriental de Cuba donde la Sierra Maestra y la ciudad de Santiago se encuentran y fue transportado desde oriente hacia la parte occidental de Cuba, posiblemente por el traslado de los soldados durante la guerra de independencia, llegando así a La Habana. Una vez en la capital, el son es adoptado como música en los barrios, especialmente en los solares. Los solares eran casas enormes o mansiones abandonadas, originalmente ocupadas por españoles que vivían ahí antes de la independencia de la isla. Después pasaron a ser ocupados por afro-cubanos, en su mayoría indigentes originarios del Congo o de otras partes del oeste de África. Estos solares eran ocupados por varias familias que vivían en contacto absoluto ya que hasta compartían un único baño que existía en la casa. En los solares, la rumba era el ritmo más popular. Dentro de estos barrios se practicaban religiones con influencia Africana como la santería, el palo monte y el Abakuá. Estas religiones no son exclusivamente africanas , son originalmente cubanas fruto de un sincretismo con elementos europeos. La relación que hay entre la música y el sincretismo religioso afrocubano es muy interesante.

Henry Fiol - Salsa Subterránea.

Henry Fiol, comenzó como conguero y cantando en algunos coros en las orquestas de New York, hasta que un día le dijeron "¡cántate algo en español!" y así por accidente comenzó a cantar.

Es autor de éxitos como Oriente o Zúmbala, y ahora por segunda vez pone a disposición de los salseros en su página web www.henryfiol.com su último trabajo "Salsa Subterránea", siendo ya el segundo disco para su descarga gratuita.

El primero en estar disponible fue su anterior trabajo "De cachete", cuyo título era más que sugerente a la idea que Fiol estaba llevando a la red. A la vista está que no fue un hehco puntual y que el artista sigue con su filosofía, como dice en el video que puede verse al entrar en su página web,

MAMBO GALLEGO!!!

Este popular tema de Tito Puente conocido por los melómanos salseros y especialmente por sus fans del reconocido timbalero hasta la fecha.

Esta canción se utiliza como banda sonora del congreso internacional de salsa de Galicia - Salsorro durante los espectáculos nocturnos. Mucha gente asocia este canción a dicho congresos, dejando a un lado la autoria del músico Tito Puente.

Tito Puente - Mambo Gallego
Escrito por Jacob Rguez

Una preocupación del Gran Combo.

A un año de festejar su 50 aniversario, el Gran Combo de Puerto Rico dice estar preocupado por la escasez de salseros prominentes.

"Lo que siempre digo es que la salsa es un género sin figuras. ¿Qué es lo que va a pasar cuando deje de existir El Gran Combo?", dijo el jueves Jerry Rivas, uno de los tres cantantes del mega-grupo. "Vamos a tener problemas".

Sin embargo, la banda de éxitos como "Un verano en Nueva York", "No hay cama pa' tanta gente" y "La fiesta de Pilito" aclaró que lo que sí hay son personas dotadas.

"Sí hay talento, lo único es que hay que darles la oportunidad", puntualizó Rivas.

El grupo todavía no tiene planes para la celebración de su aniversario tras medio siglo de trayectoria, apuntó el director musical Rafael Ithier.

"Lo que sí, es que estamos dando gracias a Dios, porque ha sido una bendición ... Me pellizco todos los días para ver si esto es verdad", indicó Charlie Aponte, otro de los cantantes.

A través de los años, el grupo se ha mantenido accesible, sin guardaespaldas, y fiel a su estilo tradicional, no sólo en lo musical sino también en cuanto a su imagen - todavía se presentan con saco y corbata.

"El grupo ha evolucionado, claro. Si ves la primera grabación, es diferente a la última. A cambiado, pasado por muchas etapas, del boogaloo, salsa romántica y otras. Tratamos de ir a la par de lo que sale pero siempre mantenemos nuestro estilo de pueblo, alegre", agregó Rivas.

Una de sus mayores satisfacciones es ver entre el público a personas de todas las edades.

"Nosotros hemos cambiado pero para el público pareciera que no. Nos piden 'Hojas blancas', de 1974, y 'Ojos chinos', de 1963. Para ellos estas canciones viejas son nuevas", apuntó sorprendido Ithier.

Lo nuevo de Comentario en el Solar para el 2011!!!

LOS BUTACOS EN EL SOLAR.

Invitados: Musicos, Djs, Bailarines y Personas que tienen todo el sentido de este espacio musical en la web, para compartir comentarios, vivencias de la vida cotidiana con la música.

Esperalo muy pronto por este mismo canal.... no te lo pierdas LOS BUTACOS EN EL SOLAR.

Ismael Miranda espera que su nuevo disco de salsa pesada agrade al bailador

Nueva York, 17 nov (EFE).- Luego de un disco de música cristiana, el sonero puertorriqueño Ismael Miranda estrena un álbum dirigido al público bailador, que confía complacerá al más exigente amante de la salsa pesada.

"De vuelta al son", se titula la producción que contiene 11 temas, que Miranda interpretará mañana, miércoles, durante un recital en un club de Nueva York.

"El año pasado hice dos discos: 'Buscando el camino', un disco cristiano que tuvo un éxito tremendo, y el segundo, 'De regreso al son' dedicado al bailador de música pesada", señaló hoy el cantante a Efe, que el fin de semana pasado se presentó, junto a otros integrantes de las Estrellas de Fania, en un homenaje al fundador de ese legendario grupo, Johnny Pacheco.

Miranda abrazó el cristianismo luego de que, según confesara, sentía que le faltaba algo a su vida, a pesar de tener todo para ser feliz.

El intérprete, conocido como "el niño bonito de la salsa" acude a una iglesia en Puerto Rico, cuyo reverendo es Alex D'Castro, quien fue parte de su orquesta de salsa.

"De vuelta al son", según Miranda, "es para que el bailador se sienta que tiene música de ellos, algo que puedan bailar, con mucho ritmo, mucho cuero, mucha clave".

"Sé que va a ser del agrado de todos, hicimos un trabajo espectacular y espero que lo escuchen", afirmó el intérprete del éxito "Así se compone un son" quien comentó que a veces se hacen discos para escuchar, contrario a su nuevo proyecto musical.

"Creo que el bailador está buscando música que ellos puedan poner ese pie (para bailar) y cada vez que lo hagan, van a tener esa clave ahí" con su nuevo disco, agregó Miranda, quien se identificó como bailador.

En una nota que el salsero escribió en la introducción del álbum señala que luego de cuatro décadas en el ambiente artístico y de haber realizado más de 75 producciones discográficas, "presento una propuesta donde emprendemos un viaje por los años 60, 70 y 80 buscando en la instrumentación, coro, sonido y voz la magia del sabor típico de esos tiempos".

"Fue arduo el trabajo, pero lleno de satisfacciones", señala además la nota.

El disco incluye los temas "Te dije que yo venía y vine", y "Si se arreglara el mundo" de Cándido Fabré; "Mi canto", "El son de Ismael" y "La clave", de Juan José Hernández; "Escándalo" de Rubén Fuentes y "Tati, una canción para ti" de Adalberto Álvarez.

También "Desde que te fuiste" y "Detrás de la factoría" de Ramón Rodríguez; "Rebeca" (del folclor peruano) de Miguel Almeneiro y "Vendaval sin rumbo" de José Dolores Quiñones.

"Este disco quedó sabroso", sostuvo el intérprete.

Rubén Blades también vuelve.

La salsa tenía que morir después de Rubén Blades, el compositor y cantante que dio a esa expresión cultural una profundidad intelectual. Me lo recuerda mi padre cada vez que hablamos de eso que él prefiere llamar ``música cubana con raíces en Nueva York''. Y con razón. Mi viejo es un coleccionista que defiende sus gustos musicales como otros se aferran a una ideología. Pero eso no le impide reconocer que la salsa es música derivativa de los géneros cubanos.

Blades siempre lo tuvo claro, y por eso en su reciente disco, Cantares del subdesarrollo, el panameño rinde tributo abierto a la tradición de la música popular de Cuba mediante el son, sin dejar de reconocer su deuda musical con Puerto Rico a través de tres figuras seminales: Ray Barretto, Ismael Rivera y Tite Curet Alonso. Son músicos que le dieron carácter a su arte, le señalaron buenos caminos artísticos y aplaudieron su éxito.

El doble tributo, además, es la callada manera que tiene Blades de mostrar que los salseros le deben mucho a los cubanos, pero también que los cubanos le deben a los salseros. La música cubana también le pertenece a quienes estudian y difunden su tradición, aunque no hayan nacido en la isla.

"La música popular cubana se convirtió en una lingua franca para muchos en el Caribe y Latinoamérica'', dice Blades vía email. ``A mí me parece que su grandeza está justamente en su universalidad, a la que han contribuido otros''.


Blades ha vuelto a girar, felizmente, tras cinco años como ministro de Turismo en Panamá, un cargo que le permitió ``aprender sobre política desde la política misma''. Todos vuelven, la gira que lo trae al James L. Knight Center de Miami el sábado 21, y que celebra el 25to. aniversario de Buscando América, lo reúne con los integrantes de la estupenda Seis del Solar, para mi gusto la mejor banda que ha tenido el panameño.



Es una banda neoyorquina que nació a mediados de los 80, cuando Blades se mostraba más sabio en su arte y más aguzado en los negocios. Había firmado con el sello Elektra, con el que se tomó toda la libertad creativa para acercar su visión de la música salsera al jazz, al rock, a las tendencias modernas de la música caribeña.

Blades ponía distancia así de su experiencia con el sello Fania, con el que grabó obras maestras (Siembra, Canciones del solar de los aburridos, Maestra vida), pero le dio más de un dolor de cabeza en ese laberinto de los derechos autorales.

``Creo que todos, absolutamente todos, debemos aprender sobre el negocio e integrar ese aprendizaje al trabajo de la creación. No hay otra manera'', dice el compositor. ``Una cosa no excluye a la otra''.

Blades es heredero del gran Curet Alonso, el maestro que dotó a la salsa de imaginación, historia, ingenio y, sobre todo, contundencia poética. Uno escucha a ambos y aprecia de inmediato en esas canciones el triunfo de la palabra a través de ideas intelectuales que no desmerece eso que los reggaetoneros llaman ``la cultura urbana''; es decir, lo popular, lo callejero.

Eso explica que Siembra, que el año pasado cumplió 30 años, todavía resuena con la fuerza de una obra adelantada a su tiempo. Es, posiblemente, el primer disco que honra la cultura del disco como obra de arte.

Cantares del subdesarrollo, que muestra la riqueza de la sencillez del son cubano, retoma la cuerda de éste y Maestra vida, la salsa como narrativa literaria. Tiene el encanto de sus mejores discos, esos que grabó en los años 70 y que aportaron a lo mejor de la década: el tropicalismo brasileño, el nuevo tango argentino, el rock de los Beatles, la salsa neoyorquina.

``Cantares lo grabé en mi casa de Los Angeles y casi todo lo hice yo; quería que tuviera el espíritu de la música que se escucha en un barrio de cualquier pueblo en Latinoamérica, donde uno se reúne con los amigos a cantar, a echarse cuentos, a celebrar la vida'', dice Blades.

``Lo que me interesa es que el trabajo sea consecuente con lo que soy, alguien que disfruta escribir y aprender de la vida haciéndolo''.

Hace poco, Blades se presentó con el dúo Calle 13 en la ceremonia de entrega de los Grammy Latinos, algo que lo entusiasmó ya que le permite aprender de otras generaciones. Nada nuevo para un artista que ha realizado también colaboraciones con bandas de rock (Son Miserables, Los Fabullosos Cadillacs).

En su página, rubenblades.com, el panameño se ha dedicado a repasar su obra, mostrando los detalles de su creación, contando anécdotas, respondiendo las mil y una preguntas de sus seguidores. Uno le escucha y aumenta el aprecio por su trabajo. Los verdaderos creadores muestran que su mejor arma es el encanto

Johnny Pacheco Celebra medio siglo en la música.

Méritos. Creador de La Fania All Stars, co-creador de la disquera Fania Records y considerado el mentor de la música salsa.

El dominicano será homenajeado mañana en Nueva York por Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Adalberto Santiago, Bobby Valentín y Roberto Roena, entre otros
NUEVA YORK. AP. Johnny Pacheco, uno de los creadores de la mítica orquesta La Fania All Star, jamás pensó que más de 60 años después de aprender a tocar el acordeón y la flauta, todavía estaría festejando y tocando sus composiciones sobre los escenarios.

El músico creció en Santiago de los Caballeros en la República Dominicana donde su mamá, asidua de las radionovelas cubanas, dejaba encendido un aparato de onda corta en el que luego escuchaba programas musicales.

Su papá tocaba el clarinete, así que desde pequeño Johnny cultivó su oído musical con una amalgaba de ritmos que se amplió cuando de adolescente incursionó en grupos folklóricos dominicanos.

Más tarde se graduó de la prestigiosa escuela de música Julliard, así que para cuando se dio cuenta de que los latinos en Nueva York, donde se mudó luego con su familia, no tenían un ritmo que los identificara, ya su base se había ampliado grandemente, lo que probó rendir frutos.


En los inicios

“Había como un vacío de música en los `60 porque los blanquitos tenían su música. Entonces yo empecé a inventar y buscar otra fórmula para ver si me podía colar y resultó”, resumió el legendario flautista y director de orquesta en una entrevista reciente con la AP desde su casa.

“En esos tiempos estaba el 'rock and roll'... Entonces vinimos nosotros y lo que hicimos fue coger esa música y el jazz y todo lo que estaba sonando y lo juntamos con la música cubana, le dimos otra fachada, le dimos otro sonido y (destacamos mejor) el ritmo”, rememoró.

Como si fuera un chef Pacheco reunió además los “mejores condimentos”: músicos y cantantes muy talentosos.

Al mismo tiempo tuvo una precaución: “los arreglos estaban hechos sencillos, para que los entendiera la gente y por eso es que yo creo que tenía tanto 'swing”, relató sobre el surgimiento del nuevo género que cambiaría la historia para siempre.

“Yo no esperaba que iba a ser tan grande... Todavía siguen hablando de los tiempos cuando había una cantidad de ‘clubs’ en Nueva York increíble y donde quiera que íbamos, todo tenía que ver con salsa. Había un público como de 60.000 personas cada vez que nos presentamos”, manifestó.

Pero Johnny no se conforma con ello y sigue celebrando que la música que ayudó a crear siga viva, esta vez con un concierto que ofrecerá en Nueva York este fin de semana para conmemorar más de 50 años de carrera y en el que nuevamente ha reunido los mejores ingredientes para el público.

El equipo

Bobby Valentín, Roberto Roena, Papo Lucca, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Yomo Toro, Domingo Quiñones y Johnny Ventura, entre otros, junto al inquieto director saldrán al escenario para romper estereotipos, según prometió.

Por eso Ventura podría cantar un son montuno y no sus típicos merengues, mientras que Feliciano podría hacer los honores al género de Ventura.

Pacheco, quien también guió a estrellas como Celia Cruz, Tito Puente y Héctor Lavoe, entre otros, dice que la personalidad que logró cultivar la salsa, la cantidad de gente que impactó y la preparación de nuevos estudiantes que aspiran llegar a crear algo tan grande como lo fue La Fania, le dan un gran optimismo.

Antecedentes

Origen

Johnny Pacheco nació bajo el nombre de Juan Zacarías Pacheco Knnipping, en Santiago de los Caballeros el 25 de marzo de 1935.

Estudios

Luego de emigrar a Estados Unidos a los 11 años, aprendió a tocar los instrumentos de percusión en la prestigiosa Academia de Julliard.

Orquestas

Antes de crear La Fania All Stars, Pachecho perteneció a los grupos el cuarteto de Jazz Latino y Pachecho y su Charanga.

Influyente

El músico, director y productor dominicano es considerado una de las figuras más influyentes de la música.

Las frases

Johnny Pacheco

Le estoy viendo a la salsa un futuro más brillante porque la juventud está interesada en aprender cómo fue que empezó”.

Yo me siento bien dichoso de haber sido el director de las Estrellas de Fania, donde estaban esos “monstruos” de la salsa y siempre nos hemos llevado como familia”.

El ayer y hoy de las Charangas en New York.

Muchas cosas pasaron en el sexto evento de Coleccionistas de Música del Caribe en Nueva York, bajo la batuta del Caribbean Cultural Center African Diaspora Institute. No sólo se vieron “joyas” en discos y videos, también se vieron compulsivos expertos atrapados en cajas y cajas de tesoros. Parecían mutantes de iguana listos a lanzar la lengua pegajoza y pesada para tumbar a cualquier contricante y hacerse con el Gran Tesoro.

La batalla fue amenizada con una salsa sencillamente espectacular que despegó del suelo al más tullido, y es que estuvo en manos de los Dj’s José Calderón, Cisco, David Medina y Brian. Para matizar y darle gusto a todos, se presentó el documental El Cha Cha Cha Por Siempre. Dos paneles: Charanga Ayer y Hoy, en el que participaron Eddy Zervigon, Sonny Bravo, Elena Milstein, René López y Bobby Sanabria; y, Woman in Charanga, en el que conversaron Andrea Brachfeld, Karen Joseph, Connie Grossman y Aurora Florez como moderadora. Dato curioso: de las panelistas, todas mujeres, ninguna era latina. Interesante. ¿Qué querrá decir eso?


Pasó también que el evento se hizo en las Taino Towers y no en la tradicional iglesia de San Pablo Apostol, por dos razones. Una, no recibieron el dinero que usualmente recibían; y otra, las Taino decidieron unirse a este acontecimiento cultural de manera absolutamete desinteresada, lo que demostró el afecto que el Centro genera en El Barrio.
¿Más cosas? Pues sí. El Centro ha recibido un regalo de la ciudad. Hace unos años Nueva York decidió dejar ocho casas de bomberos y donarlas a organizaciones sin ánimo de lucro, quienes a su vez tuvieron que diseñar y presentar un proyecto; sólo los mejores ganan. El Centro lo logró y ahora tendrán que conseguir siete millones para hacer realidad todo lo que tienen en mente. Valga decir que una de las razones por las que ganaron es porque con el tiempo, se han convertido en un puente cultural y físico entre el West Harlem o el Harlem Negro, y el East Harlem o el Spanish Harlem.
La “rumba coleccionable” se cerró con tremenda salsa y bailoteo y una lluvia muy fuerte que ya no preocupó a su coordinadora Melody Capote, como lo hiciera hace seis años cuando por primera vez se hizo. En esa occasion, ella recuerda que hasta lloró pensando que “esto no iba a pegar”. Ahora no sólo lo esperamos los latinos de Nueva York, Philly y aledaños, o la comunidad afroamericana. Ahora son cada vez más los “blancos americanos” (o blancos estadounidenses) muy bien informados, más que los latinos mutados en iguana, listos al dar el zarpazo más fiero.